Antike Inhalte in der Zeitgenössischen Kunst

Mythologische Götter – und Heldensagen faszinierten Künstler:innen und Auftraggeber:innen sowie die breite Masse durch die verschiedensten Kunstepochen hinweg. Auch in der Gegenwartskunst dienen antike Mythen als Inspiration. Der Titel dieser Werke spielt dabei oft eine entscheidende Rolle. Er ermöglicht es den Betrachter:innen in bestimmten Fällen das für sie sichtbare Werk in den Kontext der mythologischen Sagen einzuordnen. Künstler:innen bedienen sich demnach bei der Wahl des Titels an den antiken Mythen, um beim Publikum eine bestimmte Assoziation hervorzurufen. Auch wenn der Göttervater optisch nicht erkennbar ist, weckt der Titel Zeus bei uns eine Vorstellung davon, was der oder die Künstler:in uns vermitteln möchte. Wir denken an einen starken Gott, selbst wenn das, was wir sehen, zunächst nicht auf diesen schließen lässt. Auch durch moderne Materialien, Bildbearbeitungen und Gegenüberstellungen von antiken und modernen Bildmotiven werden neue aufregende Interpretationen der alten Sagen herausgearbeitet. Doch in welcher Beziehung stehen die Werke noch zur ursprünglichen Mythologie? Welche Barrieren entstehen zwischen Werk und Betrachter:innen durch die zeitliche Distanz zwischen der ursprünglichen und heutigen Darstellungsweise? Wie treten diese Kunst- und Gesellschaftsepochen in einen Dialog und welche Barrieren stehen dabei im Weg?

Antikes Motiv – Moderne Technik

Liane Lang verbindet in ihrem Werk The Faun aus dem Jahr 2007 mehrere Medien in einer Fotografie, die nicht im klassischen Sinne durch Photoshop oder ähnlicher Bildbearbeitungsmethoden manipuliert wurde, sondern deren Motiv von der Künstlerin vor Aufnahme der Fotografie beeinflusst wurde (Abb. 1). Das Werk gehört zu einer Fotoserie, die anlässlich einer Einzelausstellung im Heidelberger Kunstverein erschien.

Die Fotografie zeigt einen Gipsabdruck der hellenistischen Marmorskulptur Barberinische Faun, der von Lang um einige Elemente ergänzt wurde. Während dem Original aus dem 3. Jahrhundert v. Chr. das rechte Bein fehlt, befindet sich in der Glyptothek in München eine vollständige Version, die als Vorbild für den Abguss, den Lang fotografisch festhielt, diente. Der nackte Satyr scheint auf Langs Fotografie von einem zierlichen Paar Beinen und Armen von hinten umgriffen zu werden, während ein Tuch seinen Schoß bedeckt. Zusätzlich befindet sich unter seinem linken Arm ein zum Schrei geöffneter Mund, den das Original vermisst.

Abgüssen antiker Skulpturen weitere Gliedmaßen hinzuzufügen und diese zu fotografieren, erweitert die ursprüngliche Skulptur in Langs Fall nicht nur um optische Elemente sowie neue Materialien wie Latex, Silikon, Wachs oder Gummi, sondern ebenso um das Medium der Fotografie und inszeniert damit neue Inhalte. Die antike Skulptur eines mythischen Wesens wird von der Film- und Fotokünstlerin durch das Ergänzen moderner Materialien und dem Einbetten in das Medium Fotografie in einen direkten Dialog zur Zeitgenössischen Kunst gesetzt. Zu ihrer Arbeit bemerkt die Künstlerin:

The universality of mythological storytelling is so ubiquitous as to be almost inevitably a cliche. For the same reason however, its pertinence as a piece of narrative symbolism is universally understood. […] The fact that some antique sculpture has made it to us through so many changes of regime and religion, is the triumph of the object over its maker against all odds [..].[1]

Die zeitüberdauernde Präsenz der Skulptur wird von Lang unterstrichen und verlebendigt sie zugleich, indem sie in Bezug zur Gegenwart gesetzt wird. Gleichzeitig wird das Publikum vom Werk mit einer vergangenen Zeit konfrontiert, da – wenn auch Satyr weniger bekannt und eindeutig ist wie Herkules oder Venus – das Motiv eine unvermeidliche Assoziation zur Antike hervorruft. In seinem Aufsatz über die Transformation der Antike in der Zeitgenössischen Kunst schreibt Christoph Zuschlag über Langs Werk:

Antike und Gegenwart schieben sich förmlich ineinander, ohne zu einer wirklichen Symbiose zu kommen. […] Lang deckt die Künstlichkeit und Brüchigkeit unseres Antikenbildes auf und demonstriert zugleich dessen Wandelbarkeit, indem sie beispielsweise, wie in The Faun, die erotische Komponente der antiken Skulpturen betont.[2]

Antikes Motiv – Moderne Materialien

Auch die skulpturale Installation Venere degli stracci von Michelangelo Pistoletto kombiniert die klassische antike Mythologie mit modernen Materialien (Abb. 2). Dem idealisierten weiblichen Akt der Göttin Venus liegt ein Berg an Klamotten gegenüber. In dem 1967 entstandenen Werk kehrt die Liebesgöttin den Betrachter:innen den Rücken zu und scheint sich in den Wäscheberg hineinzubegeben. Sie wirkt fast egozentrisch, wie sie sich im (goldenen) Apfel in ihrer rechten Hand spiegelt, der den Beweis liefern soll, dass sie die schönste der drei konkurrierenden Göttinnen ist.[3]

Bei der Statue handelt es sich um einen Gibsabguss. Es gibt das Werk jedoch in mehreren Versionen, in denen sie aus verschiedenen Materialien (Zement, Kunststoff und Marmor) besteht.[4] Zudem existiert eine goldene Fassung, die 1972 entstandene Venere degli stracci dorata. So wie das Material austauschbar ist, ist es auch die Kleidung, denn der Künstler schreibt lediglich vor, dass es sich um bunte und bereits getragene Kleidungsstücke oder Lumpen handeln soll. Sowohl die Dimension der Statue als auch die des Wäschehaufens unterscheiden sich in den unterschiedlichen Varianten. Ebenfalls ausgetauscht werden kann die Skulptur durch eine lebendige Frau, wie es 1978 in Berlin und 1980 in San Francisco geschehen ist. Es ist demnach auch möglich die Installation in Form einer Performance umzusetzen. Da es Versionen des Kunstwerks gibt, bei denen die Statue auf dem Kopf steht, ist neben dem einzelnen Werk auch ein Werkkonzept wahrzunehmen.[5]

Pistoletto spielt in diesen Arbeiten mit dem Wiederspruch der klassischen Statue, die das Publikum unmittelbar mit der Antike in Verbindung setzt, und dem Berg aus moderner Kleidung. Die ausrangierten Klamotten stellen ein vergängliches Medium dar, das im Gegenteil zum antiken Mythos, die Zeit nicht überdauern wird. Einen Bezug zwischen der Göttin und einem Berg von Lumpen herzustellen scheint auf den ersten Blick unmöglich. Doch die vielen Wiedersprüche sind hier bewusst zur Erzeugung von Spannung und Kontrasten sowie einem Dialog zwischen Antike und Gegenwart, Mythos und Alltag sowie Göttin und Mensch gewählt. Die Göttin, die mit positiven Eigenschaften wie unsterblich, heilig, erhaben und kostbar verbunden wird, steht dem negativ konnotierten Wäscheberg – verderblich, profan, und wertlos – gegenüber. Ebenso wie die Klamotten wird auch das Motiv der Venus für dieses Werk recycelt.

Von der Aphrodite des Praxiteles, der römischen Venus, über die Renaissance-Rezeption […] bis hin zur subversiven Venus-Interpretation der Moderne […] und zur Arte Povera – die nackte weibliche Figur wird zunehmend trivialisiert und schließlich – in einer endlosen Semiose – als überholtes und fast leeres Bildsymbol präsentiert.[6]

Interessant ist, dass im modernen Museumskontext, also vor der weißen Wand, der Wäscheberg den weitaus dominanteren Part des Werks ausmacht. Die Göttin provoziert die Besucher:innen durch ihre abgewandte Haltung, scheint jedoch gleichzeitig fast in den Kleidungsstücken zu versinken.

Antiker Inhalt – Moderne Darstellungsform

Auch die zeitgenössischen Vertreter:innen des klassischen Mediums Malerei setzten sich mit den antiken Mythen auseinander. Cy Twombly tat dies besondere in den 1960er und 70er Jahren. Seit 1957 können in Twomblys Werken durch Titel – oder im Werk befindliche Wörter – Verweise auf seine Auseinandersetzung mit antiken Mythologien gefunden werden.[7] Den Mythos der Leda bearbeitete er besonders häufig in einer ganzen Serie von Gemälden. Eines dieser Bilder mit dem Titel Leda and the Swan befindet sich in der Sammlung des Museums für Gegenwartskunst Siegen (Abb. 3). In den mythologischen Sujets verbindet Twombly „[e]ruptiv-rohe Malweise und gewalttätige Motive.“[8] Passend zum Thema des Mythos – dem gewaltsamen sexuellen Einverleiben der schönen Leda durch den Göttervater Zeus – findet man in den Gemälden dieser Serie eine „aggressiv-orgiastische Pinselführung“[9], die durch starke Farbkontraste unterstrichen wird. Thierry Greub schreibt zu  Leda and the Swan: „Lastend schwere Ölfarbe und Fettkreide verbeißen sich in die zarten Bleistiftspuren. Der Mahlstrom aus roter und weißer Farbe meint den Moment der gewaltsamen sexuellen Vereinigung, dessen Drastik antike Vasendarstellungen wiederzugeben scheuten.“[10] Er stellt demnach eine direkte Verbindung zwischen der impulsiv wirkenden, im Überfluss aufgetragenen Farbe und dem Akt der Vergewaltigung her.

Den Besucher:innen wird ein Werk präsentiert, dessen Inhalt ohne den Titel nicht zu entschlüsseln scheint. Der theologisches, und damit leicht zu verwechseln mit intellektuellem, Wissen voraussetzende Bildtitel steht in direkten Kontrast zu den „körperbezogenen, graffitiähnlichen Darstellungsweise[n]“[11] Twomblys.[12]

In seinen Arbeiten zum Leda-Mythos gibt der Künstler interessanter Weise „eine verstreute, narrative Darstellung mehr und mehr zugunsten einer frontalen, ikonenartigen Präsentation in Gestalt einer hervortretenden, dicht massierten Bildsprache auf.“[13] Durch Twomblys individuelle Bildsprache wird dem antiken Mythos eine neue Fassette hinzugefügt. „Lange zurückliegende Fabeln werden noch mal aufgeworfen, als seien sie gestern und hier geschehen.“[14]

Der Dialog zwischen Antike und Gegenwart findet nicht nur in den Werken selbst durch Materialien und Bildmotive statt, sondern auch in den Werktiteln.[15] Durch die Thematisierung der Mythen aus längst vergangener Zeit wird an diese erinnert und dazu beigetragen, dass sie nicht in Vergessenheit geraten. Auch heute sind uns die alten Götter und ihre Taten noch bekannt. Die Kunst, ebenso wie andere Medien, tragen zum Erhalt des Wissens über diese bei. Die antiken Mythen beeinflussen durch ihre reißerischen Inhalte noch heute nachhaltig die Kunstwelt. Gleichzeitig bietet die Zeitgenössische Kunst ihnen eine Plattform und somit eine Möglichkeit zum zeitüberdauernden Dialog. Damit kann die Kunst – indem sie zeitgemäße Bildsprachen und Materialien aufgreift – als Überwinder von Barrieren innerhalb des Wissenstransfers betrachtet werden.

Die gesamte Komplexität der griechischen und römischen Mythologie ist jedoch für die wenigsten abrufbar, was zu einer gewissen Barriere führt. Ein lückenloses Verständnis kann für das, was uns an mythologischen Inhalten in der Zeitgenössischen Kunst präsentiert wird, nicht vorausgesetzt werden. Das Konzept des Titels als einzigen eindeutigen Hinweis auf den mythologischen Zusammenhang birgt daher Schwierigkeiten.

Lang, Pistoletto und Twombly verleihen den allseits bekannten, antiken Figuren neue, moderne Gesichter, die eine neue Zugänglichkeit sowie einen Aktualitätsanspruch vermitteln. Es bleibt abzuwarten welche Darstellungstypen mythologischer Bildmotive sich in Zukunft zeigen werden.

Luisa Paul

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[1] Zuschlag, Christoph: Transformationen der Antike in der zeitgenössischen Kunst. In: Bartsch, Tatjana /  Becker, Marcus / Bredekamp, Horst, u.a. (Hgg.): Das Originale der Kopie, Kopien als Produkte und Medien der Transformation von Antike, Berlin 2010, S. 313-328, hier: S. 321.

[2] Zuschlag, 2010, S. 322.

[3] Vgl. Kiilerich, Bente: Michelangelo Pistolettos Venere degli stracci In: Kunst og Kultur 2, 2015, S. 84-93, hier: S. 89.

[4] Künstler verkaufen teilweise Kunstwerke als Konzepte an Museen, zu denen es Anleitungen bzw. Anweisungen zur Umsetzung gibt.

[5] Vgl. Bente, 2015, S. 84 ff.

[6] Bente, 2015, S. 92.

[7] Vgl. Dabanoğlu, Barbara Ruth: Cy Twombly Anmerkungen zu vier ausgewählten Skulpturen. Phil.Diss. Ludwig-Maximilians Universität München 2011, S. 119.

[8] Greub, Thierry: Das ungezähmte Bild, Texte zu Cy Twombly. Paderborn, 2017, S. 28.

[9] Thierry, 2007, S. 28.

[10] Thierry, 2007, S. 28.

[11] Boehm, Gottfried: Cy Twombly, Orte der Verwandlung. In: Greub, Thierry (Hg.): Cy Twombly, Bild Text Paratext. Paderborn 2014, S. 49-67, hier: S. 56.

[12] Ein berühmtes Beispiel für die Verbindung zwischen Text und Kunstwerk ist Duchamp.

[13] Dabanoğlu, 2011, S. 112.

[14] Bastian, Heiner: Cy Twombly, Catalogue Raisonné of the Paintings, Volume II 1961-1965. München 1993, S. 17.

[15] Auch in den hier nicht vorgestellten Medien der Videokunst, Toninstallation, Plastik etc. sind mythologische Inhalte, Motive, Werktitel und Anspielungen zu finden.

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